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ART

La bellezza che si fa bestia. Le sculture di Germaine Richier al Beelden aan Zee dell’Aia

CoverPic | Author: Œuvres de Délie Duparc, Photographies réalisées par Délie Duparc | Source: Photos d’œuvres de Délie Duparc. Droits accordés par Délie Duparc | License: CC BY-SA 4.0

Il Beelden aan Zee all’Aia organizza la prima retrospettiva sull’arte arte di Germaine Richier nei Paesi Bassi dal 1959, offrendo così la possibilità di riscoprire un’opera tanto accattivante quanto inquietante.

Pic@ Sandra Fauconnier | Source: Wiimedia | License: CC 4.0

Germaine Richier (Grans 1902 – Montpellier 1959) è stata uno delle più importanti scultrici attive in Francia all’indomani della seconda guerra mondiale. Le sue opere riflettono quel periodo in modo molto lirico. Le superfici ruvide, sfregiate, incavate e sanguinanti delle sue sculture, le sue figure metà umane e metà animali parlano della paura e del dilemma esistenziale che l’esperienza della guerra ha provocato. L’arte di Richier è stata plasmata da un’infanzia trascorsa in Provenza a stretto contatto con la natura, da elementi surrealisti ed esistenzialisti popolari nel suo ambiente, dall’esperienza di essere donna e scultrice, e da uno spirito creativo attratto dalla sperimentazione e dal fantastico.

Nel 1953, lo scrittore surrealista André Pieyre de Mandiargues descrive Richier come una “forza della natura” per il modo violento in cui tratta la materia. Mandiargues sottolineava, tuttavia, che la sua era un’energia che “faceva nascere la bontà”. Opere come Storm Man (L’Orage, 1947) ne sono una testimonianza. Anche se sfregiato e malconcio, la figura sembra procedere. C’è distruzione, ma c’è anche la speranza di sopravvivenza e rigenerazione. Questa dualità è una caratteristica dell’arte di Richier.

Pic@ Manuelarosi | Source: Wikimedia | License: CC 3.0

Solo l’essere umano è importante

Richier ha studiato scultura sotto la guida di Antoine Bourdelle, a sua volta allievo di Auguste Rodin. Mentre molti dei suoi contemporanei si rivolsero all’astrazione come risposta alla guerra, Richier è rimasta fedele alla figura umana ma ne ha trasformato il senso. Prima del 1939 creava busti di ritratti più realistici e nudi femminili. Durante e dopo la guerra, il suo mondo artistico si popola di creature metamorfiche e fantastiche: una donna con le membra di un insetto, un cavallo con sei teste, un uomo della foresta con impronte di foglie sul corpo. Le figure sono ancora umane, ma la loro umanità è così fragile, così precaria. Sono espressione di una psiche del dopoguerra lacerata, ferita e animalesca, ma intenta a sopravvivere e a rinascere.

La creatività di Richier si estendeva anche alle tecniche che utilizzava. I suoi primi lavori classici sono esperimenti di forma. In seguito, ha raggiunto l’espressività con vari mezzi. Ha fatto uso di materiali naturali come rami o pietre prima di fondere le sculture in bronzo. In alcune opere ha introdotto fili a zig-zag per suggerire l’intrappolamento. Le sue superfici sono spesso incavate e screpolate, come se fossero in decomposizione. Negli anni Cinquanta, Richier ha iniziato a usare pezzi di vetro colorato o ha chiesto ai pittori di dipingere fondali per le sue sculture. Questi sono stati visti per anticipare il Pop e il Nouveau Realisme.

Richier e i Paesi Bassi

Il nome di Richier era ben noto al pubblico olandese. L’artista, infatti, ha esposto in due personali allo Stedelijk Museum di Amsterdam nel 1955 e nel 1959, oltre a partecipare a diverse mostre collettive. Dopo la sua morte, tuttavia, le sue opere sono comparse solo sporadicamente. L’esposizione al Beelden aan Zee sarà visitabile fino al 6 settembre ed è organizzata in collaborazione con il Musée Picasso di Antibes, dove le opere di Richier .